M-Review: Cenerentola

Cenerentola

Le favole sono da sempre parte dell’immaginario di grandi e piccini e da quando Disney ha capito che, dopo anni di meravigliosi capolavori dell’animazione, avrebbe potuto sfruttarle anche al cinema con attori in carne e ossa, si è buttata a capofitto su questo nuovo filone. Visti i risultati di prodotti come Alice e Maleficent, lo slogan “Ti piace vincere facile?” rende perfettamente il pensiero che attraversa la mente dei dirigenti della House of Mouse tutte le volte che danno il via libera a film come questi (il fatto che nei prossimi due anni, in questo periodo dell’anno, vedremo Il Libro della Giungla e La Bella e la Bestia, ne è la dimostrazione). Questa Cenerentola è la fiaba che tutti abbiamo imparato a conoscere da bambini, senza voli pindarici o riletture moderne: ci sono la ragazza di buona famiglia bella e pura, la matrigna e le due sorellastre che la vessano, il principe che ne rimane folgorato, la sbadata fata madrina, la zucca che diventa carrozza, il ballo e la scarpetta di cristallo.

Kenneth Branagh si trova tremendamente a suo agio quando può dirigere film in costume, molto più che quando si deve impegnare con ambientazioni moderne. E dal punto di vista visivo, Cenerentola funziona perfettamente: la messa in scena è davvero uno spettacolo per gli occhi, grazie soprattutto all’accoppiata costumi/scenografie (Dante Ferretti uber alles), e ad effetti speciali non eccessivi che fanno adeguatamente il loro lavoro. Quello che non funziona, almeno dal mio punto di vista, è tutto il resto. La protagonista Lily James è molto bella, ma il suo sorriso perenne dopo un po’ sembra una paresi, la matrigna cattiva Cate Blanchett dimostra di divertirsi da matta in queste vesti, mentre il resto del cast porta a casa la pagnotta con garbo e professionalità. Ma se Alice e Maleficent, con tutta la loro sfilza di difetti, avevano almeno provato a rivisitare la favola originaria introducendo nuovi elementi e punti di vista diversi, Cenerentola dimostra quanto restare fedeli all’originale (concentrando le modifiche su elementi inutili) renda evidente il peso del tempo sulla favola di Perrault. Per quanto non ci sia una scena più lunga del dovuto e tutto sembri montato con precisione quasi chirurgica, l’eccessiva stucchevolezza e la banalità di molti passaggi fanno spuntare la noia molto presto. Poi, per carità, se siete donne, di qualsiasi età, vi emozionerete e uscirete dal cinema col cuore pieno di gioia (alla proiezione in cui l’ho visto io, il pubblico era composto quasi totalmente da nonne, madri, nipoti e figlie, che hanno tutte applaudito alla fine), ma io, che adoro indistintamente tutti i vecchi film di animazione Disney, ho trovato questa versione live action addirittura peggiore degli esempi sopracitati. Lasciate che siano le vostre donne ad andarlo a vedere, fidatevi, voi state a casa o guardatevi qualcos’altro.

M-Review: Focus: Niente è Come Sembra

Focus

Niente è come sembra“. Questo è uno dei rari casi in cui il sottotitolo fornito dalla distribuzione italiana comunica molto sia sulla sceneggiatura che sul film in sé. Perché uno dei maggiori pregi, ma allo stesso tempo dei grossi difetti, di Focus è quello di sembrare inizialmente un certo tipo di film, per poi tramutarsi in qualcosa di abbastanza diverso. Una schizofrenia che non aiuta l’ultima regia del duo Ficarra/Requa, che abbiamo imparato a conoscere con validi lavori del calibro di Crazy Stupid Love e I Love You, Philip Morris. Questa storia di ladri e truffatori, con Will Smith nel ruolo di protagonista e mentore e quella gnocca atomica (scusate il francesismo) di Margot Robbie nei panni della giovane desiderosa di imparare, mostra un’estetica e un’eleganza degne di un film europeo, ambientazioni atipiche (New Orleans, Buenos Aires) che fanno pendant con la raffinatezza dello stile.

Dall’altra parte, però, ci sono anche una sceneggiatura che per cercare il colpo di scena a effetto va a spatasciarsi più volte contro il muro, ma soprattutto il fatto che l’aspetto romantico della storia prenda inevitabilmente il sopravvento su tutto il resto. Certo, le donne adoreranno tutta questa parte della storia, ma a me non è affatto piaciuta, perché distoglie l’attenzione da tutto quello che era legato ai furti e alle truffe, inevitabilmente la parte più divertente e coinvolgente del film. Ed è un peccato, perché Will Smith interpreta con grande carisma un ruolo abbastanza inedito per lui, mentre Margot Robbie oltre che essere una grandissima gioia per gli occhi sa anche recitare come si deve, come d’altronde già si era notato in The Wolf of Wall Street. In generale, qualche trovata carina c’è, ma i difetti sono superiori ai pregi e il risultato finale è quello di un film che sa tanto di occasione mancata.

M-Review: Mortdecai

Mortdecai

Quando vedo film come Mortdecai mi interrogo su quali siano le ragioni che possano avere spinto i produttori a finanziare quello che è un disastro sotto tutti i punti di vista. Nato con l’ambizione di dar vita a un nuovo franchise, sullo stile della Pantera Rosa (OMG!), l’unica ambizione che si ha guardando il film è quella di vederlo finire quanto più velocemente possibile, perché non è soltanto brutto, ma in alcuni momenti addirittura irritante. Il Charlie Mortdecai del titolo è uno squinternato trafficante d’arte che, a causa di giganteschi problemi finanziari, è costretto a tentare il tutto per tutto contrabbandando un Goya autentico in un’avventura che lo porterà in giro per il mondo, da Hong Kong a Los Angeles passando per la Russia e la sua amata Londra.

Mortdecai è anche la dimostrazione che ormai, quando non interpreta Jack Sparrow, Johnny Depp non ne azzecca più una. Sempre sopra le righe, con un accento british stranissimo e spesso incomprensibile, Depp cola a picco con tutto il resto della nave. Certo, la sceneggiatura asfittica e tutt’altro che divertente non lo aiuta, ma vi sfido, dopo 10 minuti di film, a non sperare che gli succeda qualcosa di brutto. Non che gli altri nomi noti, da Gwyneth Paltrow a Ewan McGregor, da Paul Bettany a Olivia Munn, se la cavino tanto meglio, in quanto danno l’impressione di essere lì dentro soltanto per la paga e nulla più. Non si salva nemmeno la regia dell’esperto David Koepp, evidentemente più a suo agio quando scrive (e questo non è il caso, visto che la sceneggiatura è opera di altri) che quando si trova dietro alla macchina da presa. Non vale la pena di spendere altre parole su Mortdecai, se non che si tratta di un qualcosa da evitare come la peste, a meno di non voler provare la sensazione di aver buttato due ore di vita (e qualche Euro) giù per lo scarico del gabinetto.

M-Review: Kingsman: Secret Service

Kingsman

Ho sempre nutrito una grandissima stima per Matthew Vaughn, sin da quando produceva i film del suo amico Guy Ritchie. Poi l’esordio da regista col tremendamente sottovalutato Layer Cake (che vi consiglio di recuperare), a cui sono seguiti l’ottimo Stardust, Kick-Ass e il bellissimo reboot di X-Men. Sono convinto che Giorni di un Futuro Passato sarebbe stato molto meglio nelle sue mani, ma il fatto che abbia deciso di lasciarlo per dedicarsi a Kingsman: Secret Service, fa capire che si tratta di un regista a cui piacciono le sfide. Tratto, come Kick-Ass, da un fumetto di Mark Millar, il film è una rivisitazione ironica e ultraviolenta del genere spionistico british degli anni ’60/’70, ovviamente in chiave moderna. Ci sono eleganti spie in giacca e cravatta, supercattivi matti da legare, aiutanti dalle abilità straordinarie e continui colpi di scena. Va detto che nella sua parte iniziale, quella formativa del nostro eroe all’accademia, il film mi ha ricordato tantissimo X-Men: L’Inizio, con temi trattati anche nei precedenti lavori di Vaughn: si vede che l’iniziazione dell’eroe è un elemento narrativo che gli va particolarmente a genio.

Tra un Colin Firth elegantissimo e carismatico, un Samuel L. Jackson con la zeppola (resa molto bene anche dal doppiaggio di Luca Ward) in versione villain e un Michael Caine che nasconde più sorprese del solito, gli amanti della buona recitazione avranno di che essere soddisfatti. E’ però il giovane Taron Egerton, alla prima esperienza di un certo livello, a reggere il film sulle sue spalle, grazie al carisma e a una bravura che lo porterà sicuramente molto lontano. Se Kingsman funziona, il merito però lo si deve soprattutto a Vaughn, ottimo nella gestione delle scene action, ma soprattutto capace di bilanciare violenza eccessiva e umorismo in maniera tale che tutti i corpi squartati, le parti del corpo che si staccano come se fossero burro e le teste che saltano in aria sembrino venire direttamente fuori da un cartone animato. A me poi, sono piaciuti un sacco i piani sequenza (chiaramente aiutati dal digitale) usati in molte scene di combattimento, che le rendono ancora più movimentate e coinvolgenti. Kingsman è un film che tiene incollati allo schermo, anche se avrebbe beneficiato, secondo me, di qualche taglio, visto che ci sono alcune sequenze a mio avviso inutili che tendono a rallentare troppo il ritmo. Questo è l’unico difetto piuttosto macroscopico che gli ho trovato, perché per il resto si tratta di un action davvero godibile e che si candida a una posizione di tutto rispetto tra le cose migliori del 2015. La speranza è che gli incassi siano sufficienti da consentire la realizzazione di un sequel, che dovrebbe però avere Vaughn ancora alla regia. Conoscendo la sua voglia di cimentarsi sempre in progetti nuovi, questo potrebbe essere un problema.

M-Review: Cinquanta Sfumature di Grigio

FiftyShades

Ci sono film che sono predestinati al successo, indipendentemente dalla loro qualità. Era piuttosto facile prevedere che Cinquanta Sfumature di Grigio, considerato il suo background, quello di libro che ha venduto decine di milioni di copie in tutto il mondo, avrebbe fatto sfracelli al botteghino. Un’altra cosa piuttosto facile da immaginare è che, vista la dubbia qualità del materiale di partenza, anche il film non sarebbe stato proprio indimenticabile. Tratto dal romanzo di E.L. James, nato come fan-fiction di Twilight, ma poi imprevedibilmente trasformatosi in un incredibile fenomeno letterario, Cinquanta Sfumature di Grigio racconta l’amore tra il giovane miliardario Christian Grey e l’innocente verginella Anastasia Steele. Ma non è una storia d’amore come tutte le altre, come ben sapete, perché il signor Grey è in realtà il protagonista di Cartoni Animati Giapponesi, mitica canzone degli Elio e le Storie Tese, in cui si recitavano le testuali parole “Pratico l’anal e l’arte del bondaggio, come si vede nel mio lungometraggio“. Scherzi a parte, la relazione malata che si crea tra Anastasia e Grey, vede lei tentare, dopo essere stata sverginata, di convertirlo a una vita più normale, mentre lui insiste nell’iniziarla all’amore sadomaso, sua unica fonte di piacere e di controllo nei confronti delle sue partner. Discutere la trama di Cinquanta Sfumature di Grigio è inutile, perché si tratta praticamente di un romanzo Harmony per le nuove generazioni (ma non solo). Quello su cui è giusto spendere qualche parola sono la messa in scena e tutti gli aspetti prettamente filmici.

A una Dakota Johnson piuttosto brava e credibile nella sua evoluzione da timida ragazzina a donna consapevole di se stessa fa da contraltare un Jamie Dornan legnoso e quasi svogliato, dall’accento indecifrabile e dal carisma degno di una sardina (ma nonostante questo ho sentito in sala giovani donne sospirare nelle sequenze a torso nudo). La regia di Sam Taylor-Johnson va un po’ a fasi alterne: se da un lato è apprezzabile la scelta di aver tentato di conferire un po’ di dignità alla trama, riducendo il sesso e cercando di rendere più credibili i suoi personaggi rispetto al libro, dall’altro ci sono scene di sesso schizofreniche, alcune girate con tatto e classe, altre in maniera parecchio discutibile (ci sarebbero parecchie cose da dire su quella che viene considerata la scena “clou” del film), lungaggini eccessive dove si poteva sfrondare qualcosa e un generale senso di vacuo e vuoto. Nota di merito alla colonna sonora, una delle migliori sentite negli ultimi anni. Certo, ci sono i temi strumentali di Danny Elfman, ma anche una serie di canzoni, che spesso fanno da sfondo alle scene più importanti, di artisti come Ellie Goulding, The Weeknd, Sia, Skylar Grey, Rolling Stones, Annie Lennox e altri. E poi ci sono i remix di due successi di Beyoncé: la già sensuale Haunted è resa più ariosa e ragginata, ma la trasformazione di Crazy in Love ad opera del produttore BOOTS, la rende la canzone scopereccia (pardon my french) con la S maiuscola (e riuscire a sfruttarla male nel film è una di quelle cose per cui si dovrebbe prendere la regista e impedirle di dirigere qualsiasi cosa, persino il traffico, per almeno un lustro). Cinquanta Sfumature di Grigio è l’equivalente di quello che era stato per noi uomini Basic Instinct all’inizio degli anni ’90. Ae vent’anni fa ci fiondavamo al cinema per ammirare la patata di Sharon Stone (trovando in aggiunta un film molto bello, un thriller dal sapore davvero hitchcockiano), adesso le sciure e le sciurette affollano i cinema per vedere le (poche, blande e alquanto caste) scene di dominazione, assistere a un film penoso e, soprattutto, immaginare di prendere il posto di Anastasia Steele. A ciascuno il suo.

M-Review: Jupiter Ascending

jupiter

Io non riesco a voler male ai Wachowski. A parte i due sequel di Matrix, che trovo imbarazzanti se paragonati al primo episodio, trovo che i due registi americani abbiano sempre realizzato film buoni o molto buoni, che però non hanno mai ottenuto al botteghino i risultati che avrebbero meritato. Penso a Speed Racer, divertente e spensierato (oltre che tecnicamente fighissimo), ma anche a Cloud Atlas, il cui unico difetto era quello di essere troppo complesso per il pubblico medio. Se proprio si deve trovare una colpa da imputare a questi due ex-sceneggiatori di fumetti, è quella di scrivere storie molto ricche, forse troppo per i gusti degli spettatori, che preferiscono cose decisamente più light (se Transformers 4 passa il miliardo di dollari di incassi worldwide, un motivo c’è). Jupiter Ascending è il loro tentativo di avvicinarsi a un genere molto gradito dal pubblico, quello della fantascienza “young adult”, a quale appartengono prodotti come i vari Hunger Games, The Maze Runner e via dicendo. Una sceneggiatura completamente originale, che in questi tempi di sequel e adattamenti è come un miraggio nel deserto, ma che purtroppo presenta i classici problemi di tutti i loro lavori: è troppo complicata, ci sono troppi personaggi, accadono troppe cose. E questo al pubblico, l’abbiamo capito, non va assolutamente a genio.

In soldoni, la storia è quella di Jupiter Jones (Mila Kunis), bella e giovane terrestre che lavora come donna delle pulizie e che scopre, dopo l’arrivo dallo spazio di Caine (Channing Tatum), guerriero intergalattico geneticamente modificato e incrociato con geni canini, di essere l’erede della Terra. Una situazione che la porterà a essere inseguita da cacciatori di taglie provenienti da un altro pianeta, mutaforma dall’aspetto mostruoso e chi più ne ha più ne metta. Il primo aggettivo con cui mi viene da giudicare Jupiter Ascending è “squinternato“: succede tutto e il contrario di tutto, il ritmo è incredibilmente frenetico perché in due ore capita davvero l’impossibile, si passa da un pianeta e da un’astronave all’altra con una velocità che manco nel miglior Star Trek. Poi, certo, va anche detto che la sceneggiatura è un susseguirsi di cliché, ma questo elemento di familiarità rende meno faticoso seguire la trama. Parrebbe un disastro, invece l’ho trovato molto divertente. Merito della mano salda con cui i Wachowski dirigono, di un cast che se la cava discretamente (l’unico fuori parte è un Eddie Redmayne che gigioneggia un po’ troppo) e di una realizzazione tecnica di altissimo livello (e ci credo, con 175 milioni di budget). Non è il film che vi cambierà la vita, ma se vi piace la fantascienza passerete due ore con l’acceleratore a tavoletta, senza annoiarvi mai e forse restandone anche piacevolmente sorpresi.

M-Review: Taken 3: L’Ora della Verità

Taken3

Se non fosse per Taken (alias Io Vi Troverò nel nostro paese), la carriera di action hero di Liam Neeson non sarebbe nemmeno partita. Non che l’attore irlandese ne avesse bisogno, ma il successo del film prodotto da Luc Besson gli ha permesso di rientrare in quel ristretto nugolo di nomi in grado di garantire qualità e incassi a un genere, quello action, nel quale i vari Schwarzy, Stallone e Bruce Willis, tanto per fare qualche esempio, sono diventati totalmente irrilevanti. Il problema è che Taken, come la maggior parte dei film che non nascono con l’obiettivo di generare figli e figliastri, doveva fermarsi lì. Taken 3: L’Ora della Verità è l’ennesima dimostrazione di quanto Hollywood preferisca puntare sull’usato sicuro che non cercare di creare qualcosa di nuovo, magari sempre con Neeson alla guida, sia chiaro. Dopo aver salvato la figlia rapita dagli albanesi ed essere stato salvato da lei in vacanza, questa volta Bryan Mills viene accusato ingiustamente dell’omicidio dell’ex-moglie, morta sgozzata, dal quale dovrà ovviamente scagionarsi come solo lui sa fare.

Taken 2 aveva mostrato quanto fosse disastroso tentare di cambiare la formula che aveva decretato il successo del primo episodio, tanto da tornare sui propri passi nella seconda metà del film (senza però far variare il risultato finale). In Taken 3, Neeson torna a essere l’unico a menare, il problema è che mena troppo poco. E se mi togli la sola ragione di esistere di questa serie, da cui non puoi certo attenderti una sceneggiatura e interpretazioni da Oscar, allora tutto va a catafascio. Come già nel secondo episodio, poi, il villain è del tutto evanescente e l’inevitabile colpo di scena è telefonato oltre ogni limite. Aggiungiamoci che anche le due grosse scene d’azione sono davvero insipide (colpa del regista Olivier Megaton) e la frittata è fatta. Il buon vecchio Liam regge la scena come pochi altri sanno fare, ma non è possibile affidarsi soltanto al carisma del protagonista per cercare di dare spessore al film. Per quanto partito piuttosto bene al botteghino (dove ha già recuperato l’esiguo, almeno per gli standard hollywoodiani, budget di produzione), Taken 3 sta dimostrando di non avere lo stesso tiro dei suoi predecessori e la speranza è che Besson capisca che è meglio far danni altrove (vedi Lucy) e non cercare di tenere in vita un cadavere che già puzza da parecchio tempo. Delusione piuttosto prevedibile, ma sempre delusione.

M-Review: Italiano Medio

Scopareeeeeee

Da fan di Maccio Capatonda attendevo con impazienza il suo esordio al cinema, dopo anni di produzioni di vario genere sia per la TV che per il web. Era un momento che prima o poi sarebbe dovuto arrivare, anche perché l’artista chietino ha sempre strizzato l’occhio al grande schermo fin dai primi mitici ed esilaranti trailer, dimostrando comunque di non essere un comico finito dietro la macchina da presa per caso, come capita molto spesso in Italia, ma un professionista che conosce bene la materia (non avrebbe una sua casa di produzione pubblicitaria da anni, probabilmente). Italiano Medio, come tutti sapete, nasce come finto trailer qualche anno fa e il film utilizza proprio lo stesso incipit, che poi è lo stesso di prodotti di successo come Limitless e il più recente Lucy. Solo che in questo caso, la pillola magica non amplifica l’utilizzo del cervello, ma lo riduce dal 20% al 2%, con tutte le conseguenze del caso. Maccio veste i panni di Giulio Verme, personaggio dal nome un po’ fantascientifico, un po’ neorealista, che pare una versione iperbolizzata dello stereotipo grillino, un uomo che ha praticamente smesso di vivere per il rispetto del mondo e di ciò che lo popola.

L’incontro, dopo anni, con l’ex-compagno di classe Alfonzo Scarabocchi, che da piccolo voleva fare l’usciere (con spettatori in lacrime dalle risate per la scenetta che viene dopo), lo porterà a ingerire la pillola di cui sopra, che darà vita a un alter ego per cui le cose più importanti sono la famiglia, la gazosa e la prostituzione, mentre l’unico obiettivo nella vita è, ovviamente, SCOPAREEEEEEE! (e qui al cinema è partito un applauso). Per prima cosa va detto che Italiano Medio è un vero film, non uno sketch allungato. Certo, ci sono alcune cose che non funzionano soprattutto nella risoluzione finale e magari si poteva anche tagliare qualcosa per questioni di ritmo, ma il risultato è assolutamente buono e, soprattutto, davvero divertente. Certo, chi conosce l’opera omnia di Maccio troverà parecchie citazioni ai precedenti lavori e, magari, riderà molto di più di chi si approccia al personaggio per la prima volta. Ma anche i neofiti si divertiranno parecchio, perché l’umorismo nonsense di Maccio, Herbert Ballerina, Ivo Avido e Rupert Sciamenna è cattivissimo, come raramente capita dalle nostre parti, oltre a essere totalmente privo di pietà nei confronti di chicchessia. Nessuno viene salvato: buoni e cattivi, poveri e ricchi sono trattati alla stessa maniera, a pesci in faccia. Nel complesso, però, va detto che ci sono ampi margini di miglioramento, ma siamo sicuri che alla sua prossima prova sul grande schermo (che visti gli ottimi incassi probabilmente non tarderà più di tanto), il buon Maccio riuscirà a non ripetere gli errori di gioventù commessi in questo film e crescerà tantissimo. Se non siete ancora andati al cinema a vedere Italiano Medio, cosa state aspettando? Se avete bisogno di ridere, anche se con un po’ di amarezza (perché il ritratto che viene fatto dell’italiano medio è tristemente piuttosto realistico) questo è il film che fa per voi.

M-Review: Horrible Bosses 2 (Come Ammazzare il Capo 2)

HB2

Il primo Horrible Bosses (il titolo italiano lo uso solo per l’indicizzazione) è uno di quei film che sono diventati un successo grazie al passaparola, cosa che capita soltanto quando il prodotto è degno di nota. Hollywood, però, continua a compiere il tremendo errore di voler dare un sequel anche a tutte quelle storie per cui non sarebbe necessario: d’altronde si rischia meno sull’usato sicuro che non sul nuovo, anche se le statistiche dicono che i seguiti che sono andati peggio dell’originale sono la stragrande maggioranza. Dopo essersi aiutati reciprocamente a vendicarsi dei propri datori di lavoro, i tre protagonisti, interpretati sempre dal trio Jason Bateman, Jason Sudeikis e Charlie Day, se la devono vedere questa volta con un malvagio duo padre/figlio, proprietari di un’azienda che vuole accaparrarsi il brevetto di una loro invenzione e che sfrutterà la loro ingenuità per fregarli. Inutile dire che, anche in questo caso, il terzetto dovrà darsi da fare per riportare la situazione a proprio favore.

Horrible Bosses 2 segue il detto “squadra che vince non si cambia“, almeno davanti alla macchina da presa, visto che il cast è praticamente quello del primo episodio, con l’aggiunta della coppia Christoph Waltz/Chris Pine, nel ruolo dei due villain. Sean Anders, sceneggiatore del film e di altre commedie come Scemo & Più Scemo 2 e We’re the Millers, prende invece il posto dell’esperto Seth Gordon dietro la camera. Ci si diverte a sufficienza, per carità, ma c’è qualcosa che non funziona più nel meccanismo che aveva portato l’originale a essere così esilarante e a ottenere i risultati che ha ottenuto. Il problema più grosso sta forse nel fatto che le brevi apparizioni di Kevin Spacey, Jennifer Aniston e Jamie Foxx sono molto più efficaci di quelle dei nuovi cattivi: Christoph Waltz è letteralmente sprecato, mentre Chris Pine si impegna un po’ di più, ma non riesce a convincere. Per il resto, le dinamiche nel trio di protagonisti sono esattamente le stesse del primo episodio, con Sudeikis e Day a gestire le gag principali (spesso poco divertenti) e Bateman a fare da contraltare semi-serio. Qualche idea di regia c’è, ma la sceneggiatura non brilla, i dialoghi e le situazioni divertono a sprazzi e il colpo di scena è esageratamente telefonato. Nel complesso, comunque, pur non convincendo del tutto, il film risulta godibile e riesce a strappare qualche risata, anche se qualcuno di voi potrebbe uscire dalla sala con l’amaro in bocca. Da vedere solo se siete grandi amanti del genere.

M-Review: American Sniper

AmericanSniper

Arrivato alla veneranda età di quasi 85 anni, il signor Clint Eastwood ha una prolificità dietro la macchina da presa che molti registi decisamente più giovani di lui gli invidiano. La scorsa estate era uscito il discutibile Jersey Boys e adesso, pochi mesi dopo, è arrivato in sala American Sniper. Il film è tratto dalla vera storia di Chris Kyle, ragazzone texano arruolatosi nell’esercito in tarda età e capace, nei pochi anni di attività durante la guerra in Iraq post-11 settembre, di uccidere più di 160 persone, tanto da essere soprannominato “Leggenda“. Bradley Cooper ha fortemente voluto interpretare questo ruolo e si è letteramente trasformato in Chris Kyle, mettendo su una ventina di Kg e parlando con un pesantissimo e strasicatissimo accento texano che lo rende quasi incomprensibile anche ai tanti che ormai sono avvezzi a guardarsi un film in lingua originale. Una combinazione di cose che, unita agli incassi record del primo weekend di programmazione negli USA, pari a 90 milioni di $ (mentre in Italia, con 15 milioni di Euro, ha già incassato più di qualsiasi altro film uscito nel 2014), fa nettamente salire le quotazioni di American Sniper e del suo protagonista nella corsa verso l’Oscar. E per quanto non sia il mio favorito (io farei una scelta di rottura, premiando The Grand Budapest Hotel di Wes Anderson), è innegabile che sia il film che Cooper si meriterebbero la statuetta.

Come è facile immaginare, American Sniper è un film intriso di patriottismo e dal sapore fortemente propagandistico, elementi che non tenta di nascondere nemmeno un po’. Perché dovrebbe, viene da chiedersi, visto che si tratta di una storia vera, cominciata nel 2001 come quelle di tanti altri americani e in cui, a mio avviso, non c’è eccessiva drammatizzazione. Tutti coloro che si sono arruolati in quel periodo ci credevano davvero in quello che stavano facendo, nella necessità di andare in guerra per difendere i propri cari e impedire ai cattivi di compiere altri attentati negli USA. Il ritratto che Eastwood fa di Chris Kyle è quello di una persona che ha estremamente a cuore la sua famiglia (l’altro volto noto del cast è quello di Sienna Miller, che interpreta Taya, moglie di Kyle e madre dei suoi due figli), ma che allo stesso tempo sente una vocazione molto forte, quella di rischiare la sua vita per difendere la madre patria. C’è poi anche un lato western, quello del duello tra il cecchino americano e il suo omologo iracheno, in cui il buon vecchio Clint offre il meglio di sé. Certo, a un certo punto accade qualcosa che modifica sostanzialmente il messaggio del film, ma non voglio assolutamente spoilerare. E quel che avviene negli ultimi 20 minuti, ma soprattutto il finale, vi faranno riflettere parecchio. Dal punto di vista prettamente artistico, American Sniper è una pellicola solida, con scene di guerra di notevole valore (l’assalto finale in mezzo alla tempesta di sabbia è da applausi), interpretazioni competenti, un montaggio serrato e una regia efficace e priva di fronzoli. Mi è piaciuto, moltissimo, tanto che mi sono trovato a rivederlo per due volte nel giro di una settimana, una volta a casa (benedetti screener) e 7 giorni dopo al cinema in lingua originale. Se non siete ancora andati a vederlo, unitevi a tutti quelli che l’hanno già fatto e non esitate perché si tratta senza dubbio del miglior film presente in sala nel momento in cui scrivo (18 gennaio). Non perdetelo.